“NO SELF CONTROL” (Rosso di Sera/EMI) il disco d’esordio della cantautrice siciliana CARMEN SERRA, uscito il 25 maggio, a tre settimane dall’uscita sale in classifica al 2° posto della classifica di vendita degli indipendenti (Music Charts – Gfk Retail And Technology) dopo Renato Zero e mantiene la sua posizione confermandosi al 16° posto della classifica di vendita. Tutto ciò rappresenta un caso assolutamente straordinario per un’artista esordiente.

CARMEN SERRA pur non provenendo da Amici o da X Factor, pur avendo alle spalle un’etichetta indipendente e non una grande major e pur non avendo a priori l’appoggio incondizionato delle radio, sta raggiungendo i posti alti delle classifiche grazie alla “genuinità” della sua musica, un genere pop rock fresco, travolgente che, grazie alla “sincerità” dei testi, sa parlare al cuore delle persone.

Questo successo popolare è confermato dalle proiezioni dei video dei singoli “Fiaba” e “Africa” nei maxischermi di Milano in Piazza Duomo e Roma a piazza di Siena all’International Fifa Fan Fest, in occasione delle partite dell’Italia, per tutta la durata dei mondiali.

Il singolo “Fiaba” è una canzone metafora della vita, che per questa occasione dei mondiali Carmen Serra dedica agli azzurri. La canzone “Africa” che è stata “adottata” a simbolo di un continente al centro delle attenzioni del mondo in occasione dei Mondiali.

“Africa” mette in risalto la figura e l’opera di Gino Strada e sensibilizza l’opinione pubblica sui drammi umani che si vivono quotidianamente in Africa. Il video di “Africa” è stato realizzato su un campo di calcio con la presenza di uomini, donne e bambini, tutti provenienti dall’Africa con in comune la passione per il calcio, ma testimoni di diritti e dignità perduti.

CARMEN SERRA nasce in Sicilia, ad Augusta (Siracusa), e scopre, sin da bambina, la passione per la musica iniziando a cantare, a studiare danza, teatro e recitazione.

Nel 1996 si trasferisce a Roma dove si iscrive alla Scuola Professionale del Teatro Greco per studiare danza classica e moderna e allo IALS di Roma, dedicandosi contemporaneamente allo studio del pianoforte, della chitarra e della batteria. Per perfezionare la recitazione decide di frequentare il Centro Studi Ettore Petrolini (con Roberta Fiorentini), la Piccola Accademia dello Spettacolo (di Stefano Jurgens) e corsi singoli con Claretta Carotenuto. È attualmente iscritta all’Actor Studios di Anna D’Abbraccio.

Dal 2002 al 2003 CARMEN SERRA ha fatto parte del cast dello spettacolo di Pietro Garinei “E’ Molto Meglio In 2” commedia scritta da Jaja Fiastri ed Enrico Vaime con Gianfranco Jannuzzo, Paola Quattrini e Lorenza Mario, con le coreografie di Gino Landi.

Dal 2004 al 2005 sempre con Gino Landi e Pietro Garinei è nuovamente in scena al Teatro Sistina, per altri due anni ed in tournee in tutta Italia, con la commedia “Vacanze Romane” con Massimo Ghini e Serena Autieri.

Dopo aver aperto nel 2006 le date del tour di Gatto Panceri, nell’estate 2009 decide di trasferirsi a New York per qualche mese. Esperienza che ha dato a Carmen la possibilità di entrare in contatto con tutti i generi musicali, dal jazz all’elettronica, dal rock alla musica latino americana, dal rap al country, riuscendo a cantare in alcuni locali di Manhattan come il The Bitterend e il Red Lion. I primi mesi del 2010 li ha dedicati alla registrazione del suo disco d’esordio a cui ha lavorato per tre anni.

La musica è una delle più grandi espressioni dell’animo e della mente umana, connubio perfetto tra razionalità e sentimento, precisione formale e libera espressione. La musica coniuga e riassume in sé alcune delle caratteristiche dell’essere umano, ed è forse per questo che nessuno di noi riesce a farne a meno. C’è chi si accontenta di ascoltarla nella propria stanza o in una sala da concerti, e chi invece la musica vuole suonarsela da solo, affinando la propria tecnica frequentando una scuola musicale. In ogni caso, e in qualunque modo ci si avvicini alla musica, lo si fa perché essa riesce ad accompagnare momenti diversi della nostra esistenza, consolandoci quando ci sentiamo tristi, facendoci ballare e saltare con i nostri amici quando siamo felici, permettendoci di esprimere la nostra rabbia urlando a squarciagola o aggredendo le corde di una chitarra. Sia che la si suoni o che la si ascolti, la musica riesce a penetrarci dentro, e a tirare fuori anche le nostre parti più segrete, quelle che nascondiamo agli altri, e talvolta a noi stessi. Un mondo senza musica sarebbe come un mondo senza libri o un mondo senza immagini: un mondo incompleto, e manchevole di quello che esprime al meglio l’animo umano.

La musica è sempre stata di tutti, e anche se c’era – e c’è ancora – una divisione tra musica colta e popolare, musica commerciale e arte, tutti sentono il bisogno di avere un qualche contatto con essa. Si comincia sin da piccoli, quando la mamma canta al proprio pargolo delle ninna nanne per farlo addormentare, come a dire “non ti lascio solo, c’è la musica nelle tue orecchie e nel tuo cuore”, e si va avanti tutta la vita, con il primo corso di chitarra o di basso elettrico, con l’acquisto del primo disco, con il primo, atteso, concerto dal vivo. Come all’inizio della nostra esistenza la musica dimostra subito di saper alleviare le nostre sofferenze, di conferirci serenità e calma, così nel corso della nostra vita ci accorgiamo, in varie occasioni, come nulla meglio delle nostre canzoni preferite sappiano capirci e avvolgerci, quasi che avessero il potere di uscire dal lettore per venirci ad abbracciare.

Il potere della musica si sprigiona anche ascoltandolo, ma imparare a suonare uno strumento, o a cantare, significa trovare un mezzo espressivo ancora più personale. Se il mondo dell’industria discografica sembra ormai invaso da gruppi cloni, che creano canzoni tutte uguali, solo per rispondere alle esigenze di mercato e per fare soldi, è pur vero che la maggior parte delle persone che inizialmente decidono di frequentare un laboratorio musicale o un corso di sax o di qualsiasi altro strumento, si avvicina in modo del tutto disinteressato alla musica, e pensa soprattutto all’ebbrezza che può dare il tenere uno strumento in mano, e ad acquisire la capacità di esprimersi tramite la musica. Purtroppo i “musicisti contabili” esistono eccome, ma questo non deve inficiare il mondo della musica, che è innanzitutto espressione di sé e del proprio mondo interiore.

Arrivederci Mostro! è il nuovo album di Luciano Ligabue ed esce a distanza di ben 20 anni dall'omonimo debutto del cantante Emiliano, che ha lanciato il noto musicista nell'olimpo del Rock.
L'album ci riconsegna il rocker più in forma e ispirato che mai.
Un Riff di chitarra introduce Quando canterai la tua canzone che ha l'onore di aprire le danze. Il brano è un bel Rock solare e positivo con un bel ritornello subito memorizzabile.
Già dal primo brano si nota subito la produzione moderna quanto basta ma in linea con il sound del cantante,.
La linea sottile, abbassa un pò i toni: rock leggero e melodico, che lascia un pò il tempo che trova.
Nel tempo è il brano più tirato dell'album, con chitarre e batteria in primo piano. Il testo, dal taglio nostalgico, ripercorre miti e ricordi degli ormai lontani anni 70/80.

Dopo la romantica e melodica Ci sei sempre stata, segue la dura ed effettata La verità è una scelta, uno dei brani più riusciti del lavoro, dal taglio cupo e moderno.

Caro il mio Francesco è un brano dedicato a Francesco Guccini. La canzone, scritta a mò di lettera, è una riflessione sull'’ipocrisia e la falsità che spopola nell’ambiente musicale.
Atto di Fede parte lenta e soffusa per poi esplodere in un bel Rock melodico e frizzante.
La traccia numero otto è il singolo che ha anticipato Arrivederci Mostro!. La canzone cattura fin dal primo ascolto: rock melodico sapientemente arrangiato.
Il brano successivo è una poesia tratta da ‘ Lettere d’amore nel frigo’ la raccolta di Ligabue pubblicata nel 2003. Il brano,tutto sommato piacevole, si protrae lento e melodico.

Taca Banda è un brano piuttosto banale ma tutto sommato carino, che spezza i toni dell'album rallegrandoci con atmosfere decisamente Swing.

Quando mi viene a prendere è il brano in assoluto più cupo e drammatico del disco. Il testo è ispirato alla tragedia Dendermonde: La mattina del 23 gennaio 2009 un ragazzo, vestito da pagliaccio entrò in un asilo con un coltello, ed uccise la maestra, due bambini e ne ha ferì altri dodici. Ligabue racconta la storia dal punto di vista di uno dei due bimbi.
Drammatica, coinvolgente e commovente..

Il meglio deve ancora venire, la canzone che chiude il disco , ha un taglio decisamente Rock e solare.
La qualità di album come, Buon compleanno Elvis o dell'omonimo debutto sono piuttosto lontani, ma Arrivederci Mostro! rimane un album piacevole, energico e a tratti coraggioso.

Tracce

1. Quando canterai la tua canzone
2. La linea sottile
3. Nel tempo
4. Ci sei sempre stata
5. La verità è una scelta
6. Caro il mio Francesco
7. Atto di fede
8. Un colpo all’anima
9. Il peso della valigia
10. Taca banda
11. Quando mi vieni a prendere (Dendermonde 23/01/09)
12. Il meglio deve ancora venire
13. Un colpo all’anima (Versione acustica) (bonus track per iTunes)

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“Ho imparato a Vivere” parla di un’avventura che per lui diventa amore mentre lei non vuole proprio saperne, ma si accorge, in poche ore, di aver imparato a vivere, che non serve più implorare perché lei ha deciso di andarsene lasciandogli per sempre questa ferita in fondo al cuore.

La seconda traccia “Quante Storie” ha partecipato alla selezione del Festival di SanRemo 2010 nella sezione “Sanremo Nuova Generazione” . Parla dei problemi quotidiani che incontriamo tutti i giorni. Anche se un po’ ironici, a volte, qualsiasi cosa che facciamo,  si ha l’impressione che tutto vada  storto.

Scontata la tradizione di combinare l’arte dipinta a quella sonora. La Copertina ricorda “I Sette Cantori” , una scena della scultura “La Cantoria” eseguita tra il 1431-1438 da Luca Della Robbia per il Duomo di Firenze. L’omaggio a questa opera per ricordare che già a quell’epoca c’erano musicisti  e scultori che creavano opere a tema.

L’obiettivo dell’Edizione è presentare al pubblico artisti meno conosciuti, sia nel campo musicale che in pittura e scultura, con riferimenti a percorsi dei maestri del passato che hanno lasciato grandi opere.

L’ambizione degli AutoriTratti è di ripercorrere questi temi e mantengono nei loro testi le caratteristiche dell’amore e delle storie che ad essi si collegano. Canzoni facili da cantare, ritornelli “che entrano subito in testa”, senza mai cadere nel banale.
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Al giorno d’oggi termini quali sintetizzatore, drum machine, scheda registrazione audio sono diventati di uso comune quando si parla di musica, e non solo di musica elettronica, ma anche se tali termini si sono diffusi in epoca abbastanza recente, non tutti sanno che le prime sperimentazioni con l’elettronica in campo musicale sono avvenute molti anni fa. Il primo strumento elettronico risale addirittura al 1897, anno in cui Thaddeus Cahill, un avvocato e imprenditore americano, brevettò il telharmonium, un colosso di 200 tonnellate che, nell’intento del suo inventore, avrebbe dovuto trasmettere la musica tramite le linee telefoniche. Il progetto di Cahill non ebbe un grande successo, e venne anzi archiviato nel 1908. L’americano rimane comunque nella storia come uno dei precursori dell’elettronica applicata alla musica.

Qualche anno più tardi, più precisamente nel 1917, vide la luce uno strumento elettronico che viene tuttora utilizzato, ossia il theremin. Inventato da Leon Termen, lo strumento era dotato di due antenne che servivano per controllare l’altezza e il volume del suono. Un altro strumento entrato nella storia, ossia l’organo Hammond, fece la sua comparsa nel 1935. Lo strumento, che prese il nome dal suo inventore, Laurens Hammond, ottenne un clamoroso successo, e ancora oggi l'Hammond è considerato come l’organo per antonomasia. Sono questi i primi germi della musica elettronica, i progenitori che hanno dato vita ad una discendenza che comprende ormai diversi tipi di strumenti, dai campionatori alle tastiere MIDI USB.

Facciamo ora un piccolo salto in avanti, verso gli anni Sessanta. È questo il decennio dei sintetizzatori analogici, come il Moog (che prende il nome dal suo inventore, Robert Moog), che venne realizzato nel 1964. Il sintetizzatore Moog giocò un ruolo fondamentale nella produzione di uno dei primi dischi di musica elettronica di successo, Switched on Bach di Wendy Carlos. L’evoluzione dei sintetizzatori continuò anche nel decennio successivo: negli anni Settanta nacquero infatti i primi sintetizzatori digitali, come per esempio il Synclavier (1977). Qualche anno più tardi la versione aggiornata del Synclavier avrebbe ottenuto un notevole successo anche nel mondo del cinema e in quello della produzione di musica pop.

Bisogna però aspettare gli anni Ottanta per assistere ad un successo anche commerciale della musica elettronica e degli strumenti utilizzati per comporla. E fu proprio a causa della massiccia diffusione di questo genere di strumentazione che, negli anni Ottanta, si rese necessario un accordo tra i vari produttori per trovare un linguaggio standard. Da questa esigenza nacque l’interfaccia MIDI (letteralmente Musical Instrument Digital Interface, ossia interfaccia musicale per strumenti digitali), il protocollo standard per l’interazione degli strumenti musicali elettronici prodotti anche da diverse aziende, che viene ancora oggi utilizzato nella produzione di musica digitale.

I veloci e continui sviluppi tecnologici che si sono avuti negli anni successivi, e che continuano a caratterizzare l’epoca in cui viviamo, non hanno fatto che incoraggiare ulteriormente l’evoluzione e la diffusione degli strumenti elettronici, rendendoli accessibili anche ad un pubblico più vasto, e ampliando il loro campo di applicazione alle più diverse forme di arte audiovisiva.

Quest’anno la spedizione percorrà un viaggio che andrà dalle alpi alle piramidi, attraversando i luoghi più belli di queste regioni.

Quest’anno le avventuriere saranno accompagnate dal nuovo modello del catalogo Mitsubishi, ovvero la Mitsubishi ASX, il nuovo Crossover che comincerà ad essere distribuito in Italia dagli inizi di settembre 2010.

Il nuovo ASX, guiderà le ragazze per 4 mesi, attraversando con loro, tutte le meraviglie naturalistiche e storiche del percorso.

Il crossover di Mitsubishi che prenderà parte come attore protagonista della trasmissione sarà motorizzato con un 1.8 diesel Mivec Euro 5 con tecnologia ClearTec, che permette di rendere molto verde l’auto senza però perdere le ottime prestazioni della vettura.

Il nuovo ASX è stato presentato durante l’ultimo Salone di Ginevra, dopo 3 anni dalla presentazione del primo concept. L’automobile presenta ottime rifiniture sia interne che esterne, con materiali pregiati e ricercati, mantenendo un’ottima qualità, tipica di queste automobili.